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MADRID, 22 (EUROPA PRESS).

El Museo Thyssen-Bornemisza estrena 'MuseoThyseen.org', una versión renovada de su página web que incluye mayor accesibilidad a sus colecciones, blogs, vídeos y enlaces a Facebook, Twitter, Flickr o Youtube, entre otras herramientas. "El objetivo es encaminarnos hacia la web 2.0, una página que permita una mayor interacción con los usuarios", aseguró el jefe del Departamento de Informática en Fundación Colección Thyssen-Bornemisza, Javier Espadas.

El museo, que según ha admitido su director, Guillermo Solana, atraviesa una difícil situación económica, espera que la nueva web anime a los visitantes, aunque no sea su objetivo principal. "Aunque es deseable que la página Web arrastre a los usuarios a visitar físicamente el museo, este no es el objetivo de la página", puntualizó Espadas quien reconoció que "durante mucho tiempo, se ha infravalorado a los visitantes virtuales del Museo que emplean, para muy distintos usos, las obras disponibles en la Web.

El director de comunicación del Museo, José María Goicoechea, aseguró que la inauguración de la página web no influirá "para nada" en el número de visitas al museo ni en el incremento del precio de las entradas, que a partir del próximo 1 de julio, pasarán de costar de seis euros a ocho, en el caso de la colección permanente, y de cinco a ocho euros, en las temporales, una de las medidas adoptadas por el patronato ante el descenso aproximado en los ingresos que el museo percibe en concepto de eventos privados para empresas.

"UNA WEB MÁS INTERACTIVA"

Esta nueva versión, la cuarta desde 1995, se ha realizado tras un estudio de los sitios web de otros museos para conocer el grado y forma de incorporación a este modelo de web social. Según Goicoechea, se trata de "la primera página web de un museo español que se acerca a la idea de web 2.0". Para Espadas, MuseoThyssen.org' trata de imitar un concepto "multimedia interactivo" que da "mayor visibilidad" en la red al museo y que ya empleaban "desde hace meses incluso años" otros museos extranjeros como el Moma, el Metropolitan, o el D'Orssay.

El responsable de la Web y Nuevos Medios, Guillermo Miranda, explicó que la nueva página se asienta en cuarto pilares. El primero de ellos se ha basado en la web como un espacio de información, donde se renuevan los contenidos multimedia en diversos formatos en torno a la Colección permanente, entre los que destaca el Mapa del tiempo, en disposición radial, que permite un acceso a todas las obras de la colección así como su búsqueda a través de un listado de artistas de la A a la Z. Miranda señaló que la web cuenta también con un nuevo canal de vídeos y podcast en alta calidad que ofrece una selección de audiovisuales de las exposiciones temporales, conferencias ciclos de cine y otras actividades. Se ha creado también un canal en la plataforma de vídeos 2.0, 'vimeo.com', desde donde se servirán videos a su canal. Para 2010 está prevista además la creación de un canal televisivo online. "Apostamos por estar en la red y por que nuestros vídeos sean distribuidos y descargados también fuera de nuestra página web", comentó.

HACIA LA WEB SOCIAL: Además, a lo largo de 2009 se incorporarán servicios como la reserva online de visitas de grupos y de actividades, la venta de entradas y la de productos de la tienda. La web incorporará blogs que cubrirán áreas diversas como la conservación, la restauración o la tecnología así como diversos sistemas de migroblogging.

Miranda resaltó que la página web busca "suscitar la creación de comunidades y la deslocalización de sus contenidos", para lo que ha potenciado la presencia en entornos web 2.0 como Vimeo o Youtube, desde donde se puede acceder a sus vídeos; Twitter, para estar informado de las actividades del museo; Facebook, para crear comunidad; Flickr, para geoposicionar las obras de la Colección; Delicious, para etiquetar sus contenidos destacados; LinkedIn, para establecer relaciones profesionales; o Slideshare, para publicar presentaciones.

Adrián Haidukowski, (c. 1974) escritor y guionista argentino, es el encargado de organizar el Jam de escritura. Actividad cultural realizada en Buenos Aires, se caracteriza por la participación de escritores del círculo literario argentino actual, quienes tienen la peculiar tarea de improvisar y dar rienda suelta a su creatividad frente a una audiencia lectora y expectante.
Visualmente, la escenografía del evento cuenta con el decorado de una pantalla gigante en donde se proyecta lo que el escritor redacta en una computadora.
Haidukowski cuenta que se encargó de investigar si, en algún lugar del mundo, existía algo parecido. Y encontró dos cosas: una de ellas estaba relacionada con el autor norteamericano Martin Amis, quien, en la presentación de un libro suyo, pasaban imágenes mientras éste escribía. La otra, descubierta hace poco, era en un centro cultural de Francia donde hacían algo parecido invitando escritores.
Pero, ¿Cómo surgió esta iniciativa del Jam de escritura?
‘‘La mayoría de la gente piensa que el Jam es un emprendimiento colectivo. Pero, antes de eso, hacíamos fiestas con Pisar el Césped, en donde poníamos computadoras para que la gente escribiera. Pero lo que pasaba siempre era que la gente le mandaba saludos a sus conocidos, como si fuera algo muy popular. Y la idea del proyecto era, no que viniera y leyera cualquiera sino traer a un escritor para que lea en vivo. La riqueza de eso es poder mostrar al escritor, ese personaje solitario, en su momento de producción. Cuando los invito y me preguntan como tienen que hacer el Jam, les doy total libertad. Por eso el evento no cuenta con músicos en vivo, porque éstos serían una suerte de acompañantes. La música es en relación a la preferencia del escritor invitado. Luego, tenía que ver cómo hacer que un escritor se siente a escribir y se entusiasme con la idea del proyecto. Pero, a su vez, ver a un escritor escribiendo tampoco es fácil. Cuando empecé a comentarle la idea a la gente del circulo literario local me preguntaron si estaba loco. Y después se dieron cuenta de que no era así.’’
Adrián piensa. Trata de recordar cuando fue el primer Jam y lo que le causó esa experiencia. Una vez localizado el recuerdo, explica también la reacción del público ante la novedad que suscitaba el proyecto:
‘‘El primer escritor que participó del Jam fue José María Brindisi, hace tres años, en un lugarcito por el barrio de Palermo llamado La Sede. Estuvo buenísimo. El público no entendía nada, pero eso resultó ser mejor, ya que al no comprenderlo se podían entusiasmar leyendo. Finalmente, cuando lograban captar el concepto decían: Esto es genial.’’
Muchas lunas han pasado luego de ese momento. La ciudad de Buenos Aires ha servido de sede para veinte Jams, en los cuales han participado José María Brindisi, Julián Urman, Martín Kohan, Samantha Schweblin, Pedro Mairal, Federico Levín, Juan Terranova, Florencia Abatte, Julián Gorodischer, Leonardo Oyola, Ana Cecchi, Félix Bruzzone, Esteban Castromán, Guillermo Piro, Jordi Carrión de España, Sonia Budassi, Pablo Alí y Matias Capelli, entre otros. Con respecto a uno de los participantes, Martín Kohan, Doctor en Letras; escritor y docente en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires, Haidukowski cuenta una anécdota acerca del rol del escritor y de su innovación dentro de la improvisación:
‘‘Cuando vino Martín Kohan, al terminar su texto lo borró, como si fuera una especie de chiste, en vivo. Citando a Bertolt Brecht dijo:Las huellas no se borran. Y agregó: Pero si aprieto la tecla ctrl. + e se borran.La gente lo aplaudía, para alguien que ama las letras y la literatura haga eso es genial. El escritor tiene una devolución. La sensación es rara, como pasar ser una especie de DJ de la letra o una estrella de rock de las Letras, en el buen sentido, ¿no?’’
Lo dicho hasta ahora toma en cuenta la participación de un escritor y a la demostración de su obra recién salida del horno pero ¿Cuál es el rol del público? ¿Es un mero espectador o participa de la acción? Adrián nos da la respuesta:
‘‘Y, es decir, el público pasa a ser lector. Hay un clima de charla entre los espectadores, se genera eso. Al leer, ya se está interactuando y se está generando una situación. Todo es visual. A veces eso le vuelve al escritor. Por ejemplo, cuando hay risas, lo festeja. Pero con respeto. Siempre hay un respeto muy grande hacia el escritor. En el medio del Jam, hago preguntas en pantalla, trivias. Quien responda se lleva una bolsa de libros de la Editorial Sudamericana Random House Mondadori, la cual auspicia el evento.’’
El último de los ciclos fue el pasado 21 de mayo. Contó con la participación del escritor Washington Cucurto, escritor argentino y creador de la editorial Eloísa La Cartonera, cooperativa barrial en la que se fabrican libros con tapas de cartón recolectadas por cartoneros en las calles de la ciudad.
El próximo Jam será el 23 de junio en Le Bar, Capital Federal, Buenos Aires, Argentina.. Las invitadas al evento son: la singular escritora de crónicas trash Naty Menstrual y Gabriela Bejerman (Gaby Bex), escritora y música argentina.

Magali Diaz Moreno. Buenos Aires.

BILBAO, 25 (EUROPA PRESS)

El Museo Guggenheim Bilbao acoge hasta el próximo 10 de enero la muestra 'De lo privado a lo público: Las Colecciones Guggenheim', en la que a través de un centenar de obras se refleja la evolución de la colección permanente de la Solomon R. Guggenheim Foundation a través de "los paralelismos entre siete colecciones privadas".

Según explicaron los responsables del museo bilbaíno, esta exposición explora la historia de la colección de la Fundación Solomon R. Guggenheim, "reuniendo obras de arte esenciales, desde pinturas del siglo XIX a innovadoras instalaciones de los años noventa". Coincidiendo con el año de celebración del 50 aniversario de la apertura del Museo Guggenheim de Nueva York, el Guggenheim Bilbao rinde homenaje a esta efeméride con esta muestra y con la dedicada a la carrera como arquitecto de Frank Lloyd Wright, artífice de la sede de la Fundación, que se inaugurará el próximo mes de octubre.

'De lo privado a lo público', organizada por la Solomon R. Guggenheim Foundation de Nueva York, reflejará "los fascinantes paralelismos entre un grupo muy heterogéneo de visionarios que, a lo largo de décadas, coleccionaron el arte del mañana".

La exposición, comisariada conjuntamente por Tracey Bashkoff y Megan Fontanella, ofrece "una mirada única" a las vanguardiasde finales del XIX y XX y al arte contemporáneo, por medio de obras "maestras" de artistas como Vincent Van Gogh, Paul Cézanne, Pablo Picasso, Juan Gris, Vasily Kandinsky, Marc Chagall, Paul Klee, Alexander Calder y Jackson Pollock, así como arte de finales del siglo XX, con trabajos de Sophie Calle, Jac Leirner, Hiroshi Sugimoto, y Jane y Louise Wilson, entre otros.

LOS ORÍGENES DEL ARTE MODERNO

El montaje de la muestra pretende ofrecer al visitante "una interesante lectura" de los orígenes del arte moderno y de la transición hacia el siglo XXI. Las tres salas clásicas de la tercera planta del Museo presentan un recorrido por seis de las siete colecciones representadas en esta exposición -Solomon R. Guggenheim,Justin K.Thannhauser, Hilla Rebay, Katherine S. Dreier, Peggy Guggenheim y Karl Nierendorf-, mediante una selección de pinturas y esculturas de los movimientos artísticos más representativos del siglo XIX y de la primera mitad del siglo XX.

La exposición se completa con una treintena de obras realizadas en diferentes medios (video, arte conceptual, fotografía, etc.), a partir de la década de los años 1990, provenientes de la donación de la Fundación Bohen a la Solomon R. Guggenheim Foundation en 2001.

MADRID, 12 (EUROPA PRESS)

Con motivo de la llegada al Museo del Prado de los catorce paneles pintados por Joaquín Sorolla para la sede en Nueva York de la Hispanic Society of America, el Museo Sorolla presenta treinta y tres pinturas al óleo que el maestro valenciano realizó como preparación para el encargo que había recibido de Archer Milton Huntington, fundador de la Hispanic Society.

La muestra lleva por título 'Sorolla y su idea de España. Estudios preparatorios para la Hispanic Society of America' y estará abierta hasta el 13 de septiembre.

La primera gran retrospectiva de John Cage en España, los años 80, el arte contemporáneo en la televisión y personalidades como Rodney Graham, John Baldessari y Benet Rossell protagonizarán la temporada 2009-2010 del Museu d'Art Contemporani de Barcelona (Macba), que arrancará en septiembre con una exposición sobre la modernidad.

'Modernologías' abordará, a partir del 13 de septiembre, los problemas y las contradicciones del arte respecto a la modernidad, en una muestra colectiva comisionada por Sabine Brietwisier que se acompañará de un ciclo de cine y tres mesas redondas.

En octubre, el Macba acogerá la primera gran retrospectiva sobre el compositor estadounidense John Cage en España. Se trata de 'La anarquía del silencio. John Cage y el arte experimental', una muestra que recogerá pinturas, piezas sonoras, esculturas, películas e instalaciones, aunque, según explicó hoy en director del Macba, Bartomeu Marí, "la columna vertebral serán sus partituras", algunas de ellas inéditas en España.

Muy vinculada a esta muestra estará 'Completar y devolver, por favor', una retrospectiva de 150 obras de Ray Johnson, alumno de Cage e inventor del arte por correo, algo que según Marí, le alejó de la visibilidad tradicional de los artistas..

En enero de 2010 Rodney Graham entrará en el Macba con un centenar de obras realizadas entre 1978 y 2008, además de la serie de 21 cuadros 'Picasso, my master' (2005), su primera incursión en la pintura, en la que reconstruye con un punto de humor el aura de la maestría de la obra de Picasso.

Poco después, en febrero, será el turno de John Baldessari. 'Pura belleza' reunirá 130 obras de este artista fascinado por el lenguaje y por la relación entre lo visual y las palabras. La exposición se abre con los trabajos de pintura que sobrevivieron al 'Cremation project' (en 1970 el artista quemó toda su obra anterior a 1970 para celebrar su muerte como pintor), y se cierra con vídeos y con sus trabajos más recientes.

'¿Está usted preparado para la televisión?' repasará los programas producidos por artistas a lo largo de la historia, así como los autores que fueron pioneros en abordar la historia del arte contemporáneo desde la televisión, como el 'Ways of seeing' de John Berger en 1972.

Ya en primavera se podrá explorar la doble faceta de artista y comisario del alemán Konrad Fischer y la enigmática personalidad de Gil J. Wolman, en la primera exposición monográfica que se le dedica en España. El catalán Benet Rossell y su trabajo cinematográfico serán objeto de una exposición con más de cien obras, en las que se aborda, entre otras cosas, la transformación de la Barcelona "canalla".

En otoño de 2010 la exposición 'Crónicas de la verdad oculta' repasará la década de los ochenta, enmarcada entre la revolución iraní de 1979 y la caída del muro de Berlín en 1989, aunque aún se están concretando los nombres que formarán parte de la muestra.

Junto a estas grandes exposiciones la Capella del Macba acogerá instalaciones por primera vez pensadas únicamente para este espacio. Destacan una serie de exposiciones del peruano Armando Andrade Tudela y el trabajo escultórico de la marroquí Latifa Echakhch, que se podrá ver en verano de 2010.

Montse Arbelo y Joseba Franco presentan en Río de Janeiro una exposición sobre 'Human All Rights Reserved', trabajo enmarcado dentro de su común Proyecto 'Nómadas' en el que trabajan desde el año 2000 y cuya finalización preveen para 2010. Fundadores de la plataforma Art Tech Media para el debate y la reflexión sobre la convergencia de arte, ciencia, innovación, tecnología y sociedad del conocimiento, Montse Arbelo y Joseba Franco han realizado exposiciones e instalaciones en eventos por todo el mundo. Sus trabajos se han exhibido en Tailandia, Hong Kong, China, Italia, Austria, Filipinas, Estados Unidos, Portugal y Japón, y numerosas ciudades españolas.

SIMETRÍAS. «Al llegar a mi casa, y precisamente en el momento de abrir la puerta, me vi salir. Intrigado, decidí seguirme». Pero, nada más alcanzar la calle, sentí cómo se me descosía el ánimo inicial. Desaliento y quizás algo de angustia también. La invitación era real, y la posibilidad de la persecución me ponía nervioso. Niebla, grandes cucharadas de niebla en aquella mañana de desconciertos.

Mis piernas, olvidadas o desconocidas, experimentaron una fuga declarada. En apenas dos minutos atravesé el parque y alcancé la calle principal con el pensamiento desafiando hipótesis. Creo que no me crucé con nadie, al menos, no podía ver nada para comprobarlo. A esta altura, el espesor se había esparcido impacientemente por todas las esquinas. En un gesto fatigado, me encontré observándome los pies; a pesar de la escasa visibilidad, descubrí un par de zapatos color pasaporte.

Doblé un par de calles y, dándome la espalda, entré en una Galería de Arte. Debí de sorprenderme con esta elección, jamás me hubiera ido a buscar a ese tipo de sitios. La sala principal estaba aparentemente vacía. Parecía que la ceguera de la bruma se hubiera filtrado a través de las paredes. Nada. No se podía reconocer nada. Incluso, por unos instantes, me perdí de vista. Los pasos que me habían llevado hasta allí, se debilitaron ásperamente.

Mis hombros se giraron hacia un lado y hacia otro y acortaron distancia hasta acercarse a uno de los pasillos que probablemente daría a otra sala. Yo no sé si estaba invitado, pero continué acompañándome hasta que por fin la resaca turbia se disipó y se pudo ver en una pared la indicación a una de las exposiciones: Simetrías. Reinventando lo cotidiano. Sábanas desordenadas, un cigarro desnudo, oficina en silencio, aspirinas, luces interiores… Un sudor frío se fue apropiando de mi piel a medida que avanzaba entre aquellas imágenes. Lo cotidiano era yo mismo. Un desfile de fotografías que algún objetivo cruel me había hecho. Como un espectador que pasa de la butaca al escenario en una obra interactiva, me vi contemplando mis propias escenas diarias. Escenas individuales, impares, perforadas por un sentimiento de soledad que hacía daño con tan solo mirarlas. El rechazo fue inmediato.

Ya no me observo. Intento incorporarme con gran esfuerzo para lograr alcanzar la manta que minutos antes he retirado. Estoy tiritando de nuevo. Me tapo hasta más allá de los ojos. El termómetro se debe de haber escondido en algún pliegue del sofá, no lo recuerdo bien.

Mila Valcárcel. Síntomas después del relato

Mila Valcárcel.
Síntomas antes después del relato «Encuentro», de Octavio Paz.

MADRID, 13 (EUROPA PRESS)

El artista plástico Antoni Muntadas (Barcelona, 1942) se alzó con el Premio Velázquez de las Artes Plásticas 2009. El galardón de carácter internacional, concedido por el Ministerio de Cultura, está dotado con 125.000 euros. Esta distinción se concede a artistas del ámbito de las artes plásticas, por la totalidad de su obra. Muntadas, Premio Nacional de Artes Plásticas 2005, es un artista multidisciplinar.

Estudió en la Escuela de Ingenieros Industriales de Barcelona y ha dado clases en la Universidad de California en San Diego, en la Escuela de Bellas Artes de Burdeos, en la Escuela Nacional de Bellas Artes de París o en la Universidad de Sao Paolo, entre otras. El galardonado, que vive en Nueva York, ha recibido premios y becas de las fundaciones Rockefeller y Guggenheim, del National Endowment for the Arts en EEUU, Centre National d'Arts Plastiques en Francia. Ha sido artista residente en Rochester (EEUU), Banff (Canadá) y Sidney (Australia).

Sus obras han sido expuestas en las bienales de París, Venecia, Sao Paolo, Lyon, Documenta de Kassel, MOMA Whitney y Guggenheim de Nueva York, Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París, Palacio de Bellas Artes de Bruselas, MNCARS de Madrid o el IVAM de Valencia. En algunas de sus instalaciones suele yuxtaponer fragmentos de telediarios o de símbolos, o proyecta diapositivas de anuncios publicitarios sobre una televisión apagada, como es el caso de 'Televisión' (1980). El título 'On translation' ha sido recurrente en el trabajo de Muntadas desde 1995, cuando inicia una serie de 35 proyectos en los que investiga asuntos relativos a la interpretación y la metamorfosis, que han vivido diversos procesos de la historia reciente, dentro de los que se cuentan asuntos desde el orden económico hasta el lingüístico. El Jurado del Premio Velázquez, presidido por el director general de Bellas Artes, José Jiménez, ha estado compuesto por Cildo Campo Meirelles, premio Velázquez 2008; la artista Eva Lootz Pater; Gloria Zea de Botero, directora del Museo de Arte Moderno de Bogotá-MAMBO, Colombia; María Cristina Fontaneda Berthet, directora del Museo Patio Herreriano de Valladolid; y Peter Weibel, director del ZKM (Zentrum für Kunst und Medientechnologie) de Karlsruhe.

También han formado parte del Jurado Christoph Joachim Grunenberg, director de la Tate Gallery de Liverpool; Simón Marchán Fiz, crítico de arte y Anna María Guasch Ferrer, crítica de arte. Como secretaria actuó Helena Hernando Gonzalo, subdirectora general de Promoción de las Bellas Artes. En anteriores convocatorias han sido distinguidos con este premio el artista Luis Gordillo, el catalán Antoni Tápies, el pintor y escultor Pablo Palazuelo y Juan Soriano. Anoni Muntadas Antoni Muntadas. Foto Europa Press

Situation #25 © Antoni Muntadas, 2008.

Situation#7, 2008 © Antoni Muntadas

Se marchó Antonio Vega... pero Nada de lo que ha nacido a la vida en el Universo perece jamás. Somos eternos e infinitos y nuestro fugaz, sí, fugaz paso por el mundo conocido es tan sólo el comienzo de esta aventura inconcebible del vivir. Nuestro adiós a Antonio Vega es un... hasta la vista, o un ... hasta siempre. ABPress.net.
Tras más de 30 años sobre los escenarios, el currículum de Antonio Vega se extiende a lo largo de 18 álbumes, nueve de ellos en solitario, además de colaboraciones con distintos artistas del panorama español. Nacido en Madrid en 1957, el artista alcanzó la fama con el grupo Nacha Pop, grupo que fundó en 1978 junto a su primo Nacho García Vega. En su primer álbum en común, de título homónimo, se incluyó uno de los mayores éxitos de su carrera musical: 'La chica de ayer', considerada la mejor canción del pop español. El tema, compuesto por Antonio en 1977, se convirtió en un himno de la movida madrileña de los 80 y catapultó a Nacha Pop hasta lo más alto del panorama musical español. El dúo terminó separándose en 1988, después de haber publicado seis discos de estudio, y se despidió de sus seguidores con una serie de conciertos en Madrid en el que se grabó 'Nacha Pop 1980-1988'. Volvería a reunirse con su antigua banda en 2007, para una serie de conciertos nostálgicos por toda la geografía española.
El primer disco en solitario de Antonio Vega, 'No me iré mañana', vio la luz en 1991. Ahora y entonces ha sido considerado por muchos como una obra maestra repleta de títulos que mezclan el pop con la canción de autor, como 'Se dejaba llevar' o 'Tesoros'. A este álbum le seguirían otros tres discos de estudio, 'Océano de sol' (1994), 'Anatomía de una ola' (1998) y 'De un lugar perdido' (2001). En 2004 moriría Margarita del Río, compañera de Antonio Vega y coautora de algunos de sus temas. Esta pérdida llevó al artista madrileño a una profunda depresión durante la cual compondría y grabaría '3000 noches con Marga', un homenaje a la que fue su pareja y su último disco en solitario, editado en 2005. En los últimos meses, Antonio Vega se había enfrascado en la grabación de un nuevo disco recopilatorio en directo. Las grabaciones se realizaron durante su 'Gira Teatros 2009' en la que recaló en Pamplona, Valladolid, Murcia y San Sebastián, ciudad en la que se pudo escuchar su última canción inédita, 'Antes de haber nacido'.
Alma del Mundo, tiitular

"La cosa empezó cuando encontré por mi zona de actuación el Monte Pirámide. Busqué en Internet y hallé solo una persona que había estado: el licenciado Federico E. Gargiulo, joven de 28 años y explorador avezado de Península Mitre. Seis meses me costó localizarlo. Finalmente hablamos, nos enviamos un libro recientemente publicado por él y un dossier de mi proyecto. Enganchó muy bien con este y comenzamos a colaborar, pedir permisos, comunicarnos, buscar apoyos, etc. En Febrero de 2008 fuí a conocerle y aproximarme lo más posible a mi zona en la Península Mitre. Es decir, hasta la estancia Moat pues desde allí solo se puede llegar caminando durante unos quince días, con mochilas de 40 Kgs., sacos de dormir, tiendas, alimentos, etc. Algo naturalmente imposible para mí"... Articulo completo: El Alma del Mundo

Rafael Trénor, autor de El Alma del Mundo.

Un costoso 'West Side Story' procedente de EEUU abrió los Veranos de la Villa de Madrid el jueves 25 de junio en el nuevo Escenario Puerta del Ángel.

Este proyecto escénico, en gira desde el año 2003 por todo el mundo, llega ahora a la capital española arropado por un total de 110 personas (26 de ellos músicos) y ofrecerá el montaje original, con idénticas coreografías que el original. La versión de Donald Chan y el director de escena Joey McKneely ha incorporado los últimos avances tecnológicos y modernizado las escenas, pero deja "intactos" el guión, la orquestación y las coreografías, explicó Chan, recordando que "no están permitidos los cambios" debido a los derechos de autor de la pieza. "Es como una sinfonía de Beethoven. Uno no cambia cosas", ejemplificó. El espectáculo coincide con el 50 aniversario del estreno mundial del musical de Jerome Robbins y Leonard Bernstein en Broadway. El elenco está encabezado por Ali Ewoldt y Kendall Kelly, en el papel de Maria, y Chad Hilligus y Scott Sussman en el de Tony. Junto a ellos, Emmanuel de Jesús como Bernardo.

UN CLÁSICO: Los jóvenes intérpretes reconocieron en la presentación del espectáculo la importancia que para sus carreras tiene participar en este proyecto, "un sueño" para cualquier artista pero también "un reto" que, sin duda, ha cambiado sus vidas. "Es un regalo, una bendición estar aquí, en una obra maestra del teatro musical", admitió Scott Sussman. "El talento que desprende esta producción es excepcional. 'West Side Story' es un clásico y como tal no necesita actualización", añadió Kendall Kelly.

La neoyorquina Ali Ewoldt recordó que este espectáculo ha cumplido 50 años pero insistió en lo "pertinente y actual" que resulta esta "historia de amor que atraviesa obstáculos, superación de malentendidos y adolescencia como época de luchas".

Por su parte, Emmanuel de Jesús aludió a la "enorme exigencia coreográfica" de esta obra que requiere "una gran demanda física para los bailarines".

El elenco, que oscila de media entre los 17 y los 30 años, ha ido cambiando con el paso de los años desde que se estrenara en La Scala de Milán en 2000 "para mantener la juventud del espectáculo", apuntó Chan. A esa representación asistió el propio Stephen Sondheim, autor de las letras, quien "dio su aprobación" al espectáculo. "También lo han visto algunos de los artistas que participaron en la producción original y nos han autorizado a seguir con ella", dijo Donald Chan.

Después de recalar en Madrid, donde permanecerá hasta el 5 de julio, el espectáculo continuará su gira por Japón (Tokio Osaka y Nagoya) y volverá a finales de agosto a España (Santander y Gijón) para seguir por Tel Aviv, Amsterdam, Bélgica, Suiza y Alemania.

UN NUEVO ESCENARIO: 'West Side Story' inaugurará un nuevo espacio escénico para los Veranos de la Villa "pero también para Madrid", según dijo su director, Manuel Gutiérrez, quien recordó que el Escenario Puerta del Ángel es un espacio exento de 14.000 metros cuadrados, con un escenario más alto y más ancho, que cuenta con un aforo de 2.500 localidades y permitirá realizar proyectos "de mayor empaque". Asimismo destacó que podrá accederse a él a través de cinco líneas de autobús y varias de metro y que, además, se pondrá en circulación una línea lanzadera de la EMT desde Cibeles con paradas en Plaza de España y Príncipe Pío. El recinto dispone de 225 plazas de aparcamiento de pago y la explanada gratuita del lago

BARCELONA, 26 (EUROPA PRESS)

El jefe de producción de la gira que los irlandeses U2 iniciarán en Barcelona el 30 de junio, Jake Perry, aseguró que los dos conciertos que acogerá el Camp Nou de la gira 360º serán "tan espectaculares" para la ciudad como lo fueron los Juegos Olímpicos en 1992.

Ante los medios de comunicación en el Camp Nou, Perry opinó que es "realmente espectacular" ver en ese estadio el escenario circular de los irlandeses, "a no ser, claro, que seas fan del Manchester", bromeó.

Para Perry, el escenario se ve "muy íntimo" a pesar de la grandeza del estadio y del propio escenario: con 50 metros de altura marcados por una torre central de luces, los múltiples bafles penden de ella hasta tocar el suelo en cuatro patas arácnidas de color pistacho y naranja. Una pantalla circular de 'leds' en la que se proyectan imágenes sube y baja, mientras la banda actúa en un escenario giratorio,

enfocado por 17 cámaras, cada una con un operador. U2 lleva unas dos semanas ensayando en el Camp Nou, y a sus puertas cada día se enjambran un grupo de fans a la espera de poder ver a sus ídolos.

La idea de hacer un escenario circular se le ocurrió al líder de U2, Bono, estando en concierto en Hawaii hace unos cinco años. "Bono me preguntó si se podía hacer un escenario de 360 grados, y nosotros nunca decimos que no", aseguró Perry.

El mánager de U2, Paul McGuiness, aseguró que con el escenario 360 grados se consigue más capacidad de público y, por lo tanto, más variedad en los precios de las entradas. Además, "no hay malos asientos", algo que el grupo trató de conseguir durante mucho tiempo y "aunque ha sido caro, funciona".

Para cada concierto de esta gira se pondrán a la venta 10.000 entradas a 30 euros -las hay de hasta 150-. En Barcelona para el primer día se han vendido 90.000, pero hoy salieron a la venta algunas más que quedaron libres al ir colocando el escenario en el estadio. Para el segundo concierto en Barcelona aún quedan entradas disponibles.

En el 'show', que durará algo más de dos horas, U2 tocará entre 20 y 22 canciones, según McGuiness, y entre ellas no faltarán las de su nuevo disco, 'No line on the horizon.

La Galería Artevistas de Barcelona, presenta del 28 de mayo al 29 de Junio, la Exposicion "Sesow in Barcelona 2009" de Matt Sesow. (Imagen 'Graing' de Matt Sesow, Artevistas).
Matt Sesow comenzó a pintar en 1994 como pasatiempo durante las noches y los fines de semana, como válvula de escape de su vida como programador de IBM, aunque el deseo de expresarse através de la pintura le viene de su infancia.... Se crió en tierras de cultivo en Nebraska (Estados Unidos) y ahora vive en Washinghton DC. Sesow ha expuesto en galerías en todo el mundo y sus obras forman parte de numerosas colecciones de Art Brut. La galería Artevistas recibe por primera vez en Barcelona a Matt Sesow para esta exposición “Sesow in Barcelona 2009”. Matt ha estado viviendo algunas semanas en Barcelona para impregnarse de la ciudad y de sus gentes, y crear así una obra original y exclusiva para esta exposición y para la Galería Artevistas, rastreando distintos lugares de Barcelona, como bares, sitios turisticos, mercados y hasta lugares un poco más lúgubres y oscuros, para encontrar la inspiración necesaria para hacer resaltar toda la diversidad y los colores de la ciudad, con su estilo y los personajes tan propios a su arte.

Arte callejero: Entrevista con Joshua Allen Harris, creador de los ' Inflatable Bag Monsters' , en Nueva York:

■ Flavia Company Navau.

■ Jaime Rodriguez Sacristán.

■ Nacho Artime.

■ Oscar Álvarez de Fiz.

MADRID, 29 (EUROPA PRESS)

El Design Museum de Londres acoge del 1 julio al 1 de noviembre, 'Drawing life', una exposición que muestra una selección de los trabajos de Javier Mariscal y Estudio Mariscal a los largo de su trayectoria profesional. Más de 2.000 objetos e imágenes, entre muros collage, cortinas gráficas, objetos, dibujos, bocetos, audiovisuales y teatritos, sirven para mostrar las claves, la evolución y la metodología del lenguaje personal del diseñador valenciano.

La muestra coorganizada por la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior (SEACEX), no es una retrospectiva al uso ya que no se estructura cronológicamente sino que está agrupada y distribuida en seis espacios, algunos de ellos planteados como una instalación, que pueden recorrerse de forma aleatoria.

'Drawing life' se ha planteado como una reflexión sobre el trabajo hecho a lo largo de más de 30 años de trayectoria profesional de Javier Mariscal, sobre la evolución de su lenguaje y de su iconografía, así como del modo en que ha empleado sus obsesiones y su actitud vital para dar forma y contenido a su obra artística y a todas las disciplinas del diseño en las que se ha implicado. Las piezas e imágenes expuestas reivindican la alegría de vivir, la emoción del color, la sensualidad mediterránea y la simplicidad del dibujo y del paisaje propios del diseñador.

ARTE, DISEÑO Y OFICIO: Por otro lado, la exposición también pretende explorar los límites del oficio utilizando la sintaxis de su propia obra. El objetivo de la exposición es que el visitante de 'Drawing life' pueda percibir a través de esta experiencia el impulso vital que genera la creatividad de Javier Mariscal.

El propio diseño de la exposición refleja la facilidad con que se cruzan las fronteras entre el arte y el diseño, de cómo la faceta artística alimenta las soluciones de diseño, sin que sea entendido como un arte, sino como un oficio. Asimismo, la exposición aporta claves sobre los procesos creativos, en los que todo empieza por un dibujo y donde nada se da como definitivo.

Perturbaciones Antología del relato fantástico español actual nos ofrece una extraordinaria aproximación a un género —el fantástico— que cada día despierta mayor interés entre los lectores, tal vez porque el mundo que habitamos es hoy más escurridizo a las representaciones del realismo convencional que al rastreo de esas perturbaciones de nuestro universo cotidiano hacia las cuales la literatura ha demostrado siempre una especial sensibilidad. Al mismo tiempo, el lector encontrará aquí representados a algunos de los mejores cultivadores actuales de la narrativa breve en castellano: JOSÉ MARÍA MERINO, JUAN PEDRO APARICIO, CRISTINA PERI ROSSI, CRISTINA FERNÁNDEZ CUBAS, NORBERTO LUIS ROMERO, PILAR PEDRAZA, JULIA OTXOA, ELIA BARCELÓ, LAURA FREIXAS, CARLOS CASTÁN, LUIS GARCÍA JAMBRINA, IGNACIO MARTÍNEZ DE PISÓN, ÁNGEL OLGOSO, FERNANDO IWASAKI, PEDRO UGARTE, MANUEL MOYANO, DAVID ROAS, FÉLIX PALMA, MIGUEL ÁNGEL MUÑOZ, IGNACIO FERRANDO, JON BILBAO, ÓSCAR ESQUIVIAS, PATRICIA ESTEBAN ERLÉS, LUIS MANUEL RUIZ, ÓSCAR SIPÁN, MIGUEL ÁNGEL ZAPATA. Ed. Salto de Página. Edición y prólogo de Juan Jacinto Muñoz Rengel. JUAN JACINTO MUÑOZ RENGEL, autor del libro de relatos fantásticos 88 Mill Lane (Alhulia, 2006), dirige el programa Literatura en Breve de Radio Nacional de España (RNE 5), conduce la sección de relato corto de El Ojo Crítico (RNE 1), y es profesor en la escuela de escritura Fuentetaja de Madrid.

MADRID, 23 (EUROPA PRESS)

La artista Patricia Esquivias (Venezuela, 1979) denuncia en el Museo Reina Sofía a través de una proyección titulada, 'Todo lo que no es ración, es agio' de su serie 'Folklore 4', la búsqueda excesiva de "espectacularidad" en los museos españoles, mientras se olvida el apoyo a la producción artística. Este trabajo se encuadrada dentro de 'Fisuras' (programa de producciones propias del Museo, donde se invita a los artistas a experimentar en los espacios del Centro de Arte).

"Que de repente en España haya tantos museos nuevos y que sean tan modernos y que hayan sido realizados por los arquitectos más modernos, no me parece que tenga mucho sentido, porque si no apoyas a la gente que produzca trabajo para que llene esos museos sigue quedando descompensado", aseguró a Europa Press, esta artista que explora la historia e idiosincrasia española apoyándose en acontecimientos cotidianos.

El vídeo 'Todo lo que no es ración, es agio', proyectado en una zona de transición entre el edificio Sabatini y la zona de la ampliación realizada por Jean Nouvel, se basa en una toma fija del museo Reina Sofía, grabada desde las inmediaciones en la que se aprecia el contraste entre la arquitectura diocechesca de Sabatini y el edificio contemporáneo del arquitecto francés, que la artista compara con el Pabellón creado para la Exposición Universal de París de 1937.

Este contraste entre la arquitectura del edificio de Sabatini y el contemporáneo de Nouvel, sirven como telón de fondo para que Esquivias reflexione sobre relación de España con la modernidad.

En este sentido, Esquivias comentó que, al principio de los años 30 en España, existía una relación "armoniosa e ideal" entre el folclore y la vanguardia que acabó truncada por la llegada de la dictadura.

QUERER SER "MODERNOS Y VANGUARDISTAS" : Cuarenta años después, según Patricia Esquivias, los españoles hemos intentado ser "modernos y vanguardistas", pero ésta es una tarea compleja, "si llevas 40 años sin la práctica", advirtió.

No obstante, para Esquivias ahora estamos "recuperando el tiempo perdido", aunque reconoció que es "fácil cometer ciertos errores y pensar que se puede copiar otros modelos cuando hay que encontrar el propio".

Patricia Esquivias trabaja en video desde el año 2005 y ha expuesto sus trabajos en Madrid (Museo Nacional Reina Sofía, Galería Maisterravalbuena), Alemania (Frankfurter Kunstverein, 5th Berlin Biennale) Nueva York (White Columns, Murray Guy) Italia (Arcos Museum, Artissima) y en Inglaterra (East International, Royal College of Art). También ha participado en proyectos colectivos en la Bienal de Berlín o en el Franfurter Kunstverein de Frankfurt.

PENSADOR DE RODIN

MADRID, 24 (EUROPA PRESS)

La muestra '¿Olvidar a Rodin? Escultura en París 1905-1914' llega a Madrid después de pasar por Francia, proponiendo un análisis del nacimiento de la escultura moderna, con base en la influencia de Auguste Rodin. La exposición, que aúna grandes piezas escultóricas del siglo XX, entre ellas el original en yeso de 'El pensador', se podrá visitar hasta el 13 de septiembre en la sala de exposiciones de la Fundación Mapfre.

Se trata de una novedosa lectura del inicio de la escultura moderna durante los primeros años del pasado siglo, a través de obras de artistas como Aristide Maillol, Bernard, Émile-Antoine Bourdelle, Costantin Brancusi, Jacob Epstein, Raymond Duchamp-Villon, Ossip Zadkine, Julio González, Pablo Picasso, Wilhelm Lehmbruck, Alexandre Archipenko y el propio Rodin. La exposición analiza la obra de los artistas que pertenecen a la generación inmediatamente posterior a Rodin y que construirán el nuevo lenguaje de la modernidad tomando como punto de referencia (para olvidarlo o insistir en él) el modelo del gran escultor francés.

'¿Olvidar a Rodin? Escultura en París 1905-1914' es una coproducción entre la Fundación Mapfre y el Museé d' Orsay, con la colaboración de la Stiftung Wilhelm Lehmbruck Museum - Zentrum Internationaler Skulptur, de Duisburgo. La muestra se presentó entre marzo y mayo de este año en el Museé d' Orsay, recibiendo más de 170.000 visitantes.

ARTISTAS CASI NUNCA VISTOS JUSTOS: Entre las obras más emblemáticas, se puede destacar 'Mediterránea', de Maillol, cuya influencia en la concepción del mediterraneismo catalanista resulta fundamental, y que por primera vez sale del Musée d'Orsay. Dada a conocer en 1905, 'Mediterránea' impactó a todos, y de ahí nació la idea de empezar el corte histórico de la muestra por ese año, según explicó la comisaria Catherine Chevillot.

También se debe subrayar la presencia del original en yeso de 'El pensador' y 'Balzac, Estudio de atleta', ambos de Rodin; 'Inclinado', de Archipenko; 'Madre e hijo', de Epstein, y 'El hombre sentado', de Lehmbruck. "Son artistas que desarrollaron una línea común y sin embargo raramente se han visto juntos en una exposición", matizó Chevillot. Asimismo, la muestra pone en valor y contextualiza la obra de grandes escultores españoles como Manolo Hergué, Gargallo, Casanovas o Clarà que, junto a González y Picasso, están establecidos en París en estos momentos. "Es una visión completamente distinta de los escultores españoles, enseñando cómo se inscribieron de forma natural en lo que sucedía en el resto de Europa", puntualizó Pablo Jiménez Burillo, director general del Instituto de Cultura de Fundación Mapfre.

Además del Musée d'Orsay, las esculturas proceden de grandes museos y colecciones, como el Museé Rodin, el Centre Georges Pompidou, el Hirshhorn Museum and Sculpture Garden (Washington), la Colección Archipenko de Bearsville (Nueva York), los Museos Reales de Bélgica, la Kunshaus de Zürich, la Kunshalle y la Kunstsammlungen de Bremen o el Museo Ludwig de Colonia. Textos en braille y guías para sordos se pondrán a disposición en la muestra española.

PARÍS, "CRISOL" DE LA ESCULTURA

En torno al año de 1900, se reúne en París un numeroso grupo de jóvenes escultores procedentes de toda Europa que, atraídos por el carisma de Rodin, comparten una serie de preocupaciones formales, abriendo la puerta de la escultura moderna. "Era un lugar ineludible para la escultura, como un crisol", subrayó la comisaria.

Son nombres como Maillol, Bernard, Brancusi, Zadkine, Julio González, Picasso, Lehmbruck o Archipenko, que coinciden en su necesidad de elaborar una nueva escultura, más sincera y más acorde con los nuevos valores formales que ya se imponían en la pintura. "Los pintores reaccionaron contra el Impresionismo y los escultores intentaron hacer lo mismo contra la influencia de Rodin", comparó Chevillot. Entre la reacción y la tradición y la puesta en duda de la propia vanguardia, esos artistas despliegan con una clave común, o una "coherencia", como destacó la comisaria.

La obra de Rodin, dominada por un gran dramatismo y teatralidad (pero a la vez una profunda sinceridad), se va apaciguando progresivamente a partir de 1900, con modelados que se tensan y formas cada vez más simples.