MADRID, 22 (EUROPA PRESS).

El Museo Thyssen-Bornemisza estrena 'MuseoThyseen.org', una versión renovada de su página web que incluye mayor accesibilidad a sus colecciones, blogs, vídeos y enlaces a Facebook, Twitter, Flickr o Youtube, entre otras herramientas. "El objetivo es encaminarnos hacia la web 2.0, una página que permita una mayor interacción con los usuarios", aseguró el jefe del Departamento de Informática en Fundación Colección Thyssen-Bornemisza, Javier Espadas.

El museo, que según ha admitido su director, Guillermo Solana, atraviesa una difícil situación económica, espera que la nueva web anime a los visitantes, aunque no sea su objetivo principal. "Aunque es deseable que la página Web arrastre a los usuarios a visitar físicamente el museo, este no es el objetivo de la página", puntualizó Espadas quien reconoció que "durante mucho tiempo, se ha infravalorado a los visitantes virtuales del Museo que emplean, para muy distintos usos, las obras disponibles en la Web.

El director de comunicación del Museo, José María Goicoechea, aseguró que la inauguración de la página web no influirá "para nada" en el número de visitas al museo ni en el incremento del precio de las entradas, que a partir del próximo 1 de julio, pasarán de costar de seis euros a ocho, en el caso de la colección permanente, y de cinco a ocho euros, en las temporales, una de las medidas adoptadas por el patronato ante el descenso aproximado en los ingresos que el museo percibe en concepto de eventos privados para empresas.

"UNA WEB MÁS INTERACTIVA"

Esta nueva versión, la cuarta desde 1995, se ha realizado tras un estudio de los sitios web de otros museos para conocer el grado y forma de incorporación a este modelo de web social. Según Goicoechea, se trata de "la primera página web de un museo español que se acerca a la idea de web 2.0". Para Espadas, MuseoThyssen.org' trata de imitar un concepto "multimedia interactivo" que da "mayor visibilidad" en la red al museo y que ya empleaban "desde hace meses incluso años" otros museos extranjeros como el Moma, el Metropolitan, o el D'Orssay.

El responsable de la Web y Nuevos Medios, Guillermo Miranda, explicó que la nueva página se asienta en cuarto pilares. El primero de ellos se ha basado en la web como un espacio de información, donde se renuevan los contenidos multimedia en diversos formatos en torno a la Colección permanente, entre los que destaca el Mapa del tiempo, en disposición radial, que permite un acceso a todas las obras de la colección así como su búsqueda a través de un listado de artistas de la A a la Z. Miranda señaló que la web cuenta también con un nuevo canal de vídeos y podcast en alta calidad que ofrece una selección de audiovisuales de las exposiciones temporales, conferencias ciclos de cine y otras actividades. Se ha creado también un canal en la plataforma de vídeos 2.0, 'vimeo.com', desde donde se servirán videos a su canal. Para 2010 está prevista además la creación de un canal televisivo online. "Apostamos por estar en la red y por que nuestros vídeos sean distribuidos y descargados también fuera de nuestra página web", comentó.

HACIA LA WEB SOCIAL: Además, a lo largo de 2009 se incorporarán servicios como la reserva online de visitas de grupos y de actividades, la venta de entradas y la de productos de la tienda. La web incorporará blogs que cubrirán áreas diversas como la conservación, la restauración o la tecnología así como diversos sistemas de migroblogging.

Miranda resaltó que la página web busca "suscitar la creación de comunidades y la deslocalización de sus contenidos", para lo que ha potenciado la presencia en entornos web 2.0 como Vimeo o Youtube, desde donde se puede acceder a sus vídeos; Twitter, para estar informado de las actividades del museo; Facebook, para crear comunidad; Flickr, para geoposicionar las obras de la Colección; Delicious, para etiquetar sus contenidos destacados; LinkedIn, para establecer relaciones profesionales; o Slideshare, para publicar presentaciones.

Adrián Haidukowski, (c. 1974) escritor y guionista argentino, es el encargado de organizar el Jam de escritura. Actividad cultural realizada en Buenos Aires, se caracteriza por la participación de escritores del círculo literario argentino actual, quienes tienen la peculiar tarea de improvisar y dar rienda suelta a su creatividad frente a una audiencia lectora y expectante.
Visualmente, la escenografía del evento cuenta con el decorado de una pantalla gigante en donde se proyecta lo que el escritor redacta en una computadora.
Haidukowski cuenta que se encargó de investigar si, en algún lugar del mundo, existía algo parecido. Y encontró dos cosas: una de ellas estaba relacionada con el autor norteamericano Martin Amis, quien, en la presentación de un libro suyo, pasaban imágenes mientras éste escribía. La otra, descubierta hace poco, era en un centro cultural de Francia donde hacían algo parecido invitando escritores.
Pero, ¿Cómo surgió esta iniciativa del Jam de escritura?
‘‘La mayoría de la gente piensa que el Jam es un emprendimiento colectivo. Pero, antes de eso, hacíamos fiestas con Pisar el Césped, en donde poníamos computadoras para que la gente escribiera. Pero lo que pasaba siempre era que la gente le mandaba saludos a sus conocidos, como si fuera algo muy popular. Y la idea del proyecto era, no que viniera y leyera cualquiera sino traer a un escritor para que lea en vivo. La riqueza de eso es poder mostrar al escritor, ese personaje solitario, en su momento de producción. Cuando los invito y me preguntan como tienen que hacer el Jam, les doy total libertad. Por eso el evento no cuenta con músicos en vivo, porque éstos serían una suerte de acompañantes. La música es en relación a la preferencia del escritor invitado. Luego, tenía que ver cómo hacer que un escritor se siente a escribir y se entusiasme con la idea del proyecto. Pero, a su vez, ver a un escritor escribiendo tampoco es fácil. Cuando empecé a comentarle la idea a la gente del circulo literario local me preguntaron si estaba loco. Y después se dieron cuenta de que no era así.’’
Adrián piensa. Trata de recordar cuando fue el primer Jam y lo que le causó esa experiencia. Una vez localizado el recuerdo, explica también la reacción del público ante la novedad que suscitaba el proyecto:
‘‘El primer escritor que participó del Jam fue José María Brindisi, hace tres años, en un lugarcito por el barrio de Palermo llamado La Sede. Estuvo buenísimo. El público no entendía nada, pero eso resultó ser mejor, ya que al no comprenderlo se podían entusiasmar leyendo. Finalmente, cuando lograban captar el concepto decían: Esto es genial.’’
Muchas lunas han pasado luego de ese momento. La ciudad de Buenos Aires ha servido de sede para veinte Jams, en los cuales han participado José María Brindisi, Julián Urman, Martín Kohan,  Samantha Schweblin, Pedro Mairal, Federico Levín, Juan Terranova, Florencia Abatte, Julián Gorodischer, Leonardo Oyola, Ana Cecchi, Félix Bruzzone, Esteban Castromán, Guillermo Piro, Jordi Carrión de España, Sonia Budassi, Pablo Alí y Matias Capelli, entre otros. Con respecto a uno de los participantes, Martín Kohan, Doctor en Letras; escritor y docente en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires, Haidukowski cuenta una anécdota acerca del rol del escritor y de su innovación dentro de la improvisación:
‘‘Cuando vino Martín Kohan, al terminar su texto lo borró, como si fuera una especie de chiste, en vivo. Citando a Bertolt Brecht dijo:Las huellas no se borran. Y agregó: Pero si aprieto la tecla ctrl. + e se borran.La gente lo aplaudía, para alguien que ama las letras y la literatura haga eso es genial. El escritor tiene una devolución. La sensación es rara, como pasar ser una especie de DJ de la letra o una estrella de rock de las Letras, en el buen sentido, ¿no?’’
Lo dicho hasta ahora toma en cuenta la participación de un escritor y a la demostración de su obra recién salida del horno pero ¿Cuál es el rol del público? ¿Es un mero espectador o participa de la acción? Adrián nos da la respuesta:
 ‘‘Y, es decir, el público pasa a ser lector. Hay un clima de charla entre los espectadores, se genera eso. Al leer, ya se está interactuando y se está generando una situación. Todo es visual. A veces eso le vuelve al escritor. Por ejemplo, cuando hay risas, lo festeja. Pero con respeto. Siempre hay un respeto muy grande hacia el escritor. En el medio del Jam, hago preguntas en pantalla, trivias. Quien responda se lleva una bolsa de libros de la Editorial Sudamericana Random House Mondadori, la cual auspicia el evento.’’
El último de los ciclos fue el  pasado 21 de mayo. Contó con la participación del  escritor Washington Cucurto, escritor argentino y creador de la editorial Eloísa La Cartonera, cooperativa barrial en la que se fabrican libros con tapas de cartón recolectadas por cartoneros en las calles de la ciudad.
El próximo Jam será el 23 de junio en Le Bar, Capital Federal, Buenos Aires, Argentina.. Las invitadas al evento son: la singular escritora de crónicas trash Naty Menstrual y Gabriela Bejerman (Gaby Bex), escritora y música argentina.

Magali Diaz Moreno. Buenos Aires.

El Museo Guggenheim Bilbao acoge hasta el próximo 10 de enero la muestra 'De lo privado a lo público: Las Colecciones Guggenheim', en la que a través de un centenar de obras se refleja la evolución de la colección permanente de la Solomon R. Guggenheim Foundation a través de "los paralelismos entre siete colecciones privadas".

Según explicaron los responsables del museo bilbaíno, esta exposición explora la historia de la colección de la Fundación Solomon R. Guggenheim, "reuniendo obras de arte esenciales, desde pinturas del siglo XIX a innovadoras instalaciones de los años noventa". Coincidiendo con el año de celebración del 50 aniversario de la apertura del Museo Guggenheim de Nueva York, el Guggenheim Bilbao rinde homenaje a esta efeméride con esta muestra y con la dedicada a la carrera como arquitecto de Frank Lloyd Wright, artífice de la sede de la Fundación, que se inaugurará el próximo mes de octubre.

'De lo privado a lo público', organizada por la Solomon R. Guggenheim Foundation de Nueva York, reflejará "los fascinantes paralelismos entre un grupo muy heterogéneo de visionarios que, a lo largo de décadas, coleccionaron el arte del mañana".

La exposición, comisariada conjuntamente por Tracey Bashkoff y Megan Fontanella, ofrece "una mirada única" a las vanguardiasde finales del XIX y XX y al arte contemporáneo, por medio de obras "maestras" de artistas como Vincent Van Gogh, Paul Cézanne, Pablo Picasso, Juan Gris, Vasily Kandinsky, Marc Chagall, Paul Klee, Alexander Calder y Jackson Pollock, así como arte de finales del siglo XX, con trabajos de Sophie Calle, Jac Leirner, Hiroshi Sugimoto, y Jane y Louise Wilson, entre otros.

LOS ORÍGENES DEL ARTE MODERNO

El montaje de la muestra pretende ofrecer al visitante "una interesante lectura" de los orígenes del arte moderno y de la transición hacia el siglo XXI. Las tres salas clásicas de la tercera planta del Museo presentan un recorrido por seis de las siete colecciones representadas en esta exposición -Solomon R. Guggenheim,Justin K.Thannhauser, Hilla Rebay, Katherine S. Dreier, Peggy Guggenheim y Karl Nierendorf-, mediante una selección de pinturas y esculturas de los movimientos artísticos más representativos del siglo XIX y de la primera mitad del siglo XX.

La exposición se completa con una treintena de obras realizadas en diferentes medios (video, arte conceptual, fotografía, etc.), a partir de la década de los años 1990, provenientes de la donación de la Fundación Bohen a la Solomon R. Guggenheim Foundation en 2001.

MADRID, 12 (EUROPA PRESS)

Con motivo de la llegada al Museo del Prado de los catorce paneles pintados por Joaquín Sorolla para la sede en Nueva York de la Hispanic Society of America, el Museo Sorolla presenta treinta y tres pinturas al óleo que el maestro valenciano realizó como preparación para el encargo que había recibido de Archer Milton Huntington, fundador de la Hispanic Society.

La muestra lleva por título 'Sorolla y su idea de España. Estudios preparatorios para la Hispanic Society of America' y estará abierta hasta el 13 de septiembre.

MADRID, 29 (EUROPA PRESS)

El Design Museum de Londres acoge del 1 julio al 1 de noviembre, 'Drawing life', una exposición que muestra una selección de los trabajos de Javier Mariscal y Estudio Mariscal a los largo de su trayectoria profesional. Más de 2.000 objetos e imágenes, entre muros collage, cortinas gráficas, objetos, dibujos, bocetos, audiovisuales y teatritos, sirven para mostrar las claves, la evolución y la metodología del lenguaje personal del diseñador valenciano.

La muestra coorganizada por la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior (SEACEX), no es una retrospectiva al uso ya que no se estructura cronológicamente sino que está agrupada y distribuida en seis espacios, algunos de ellos planteados como una instalación, que pueden recorrerse de forma aleatoria.

'Drawing life' se ha planteado como una reflexión sobre el trabajo hecho a lo largo de más de 30 años de trayectoria profesional de Javier Mariscal, sobre la evolución de su lenguaje y de su iconografía, así como del modo en que ha empleado sus obsesiones y su actitud vital para dar forma y contenido a su obra artística y a todas las disciplinas del diseño en las que se ha implicado. Las piezas e imágenes expuestas reivindican la alegría de vivir, la emoción del color, la sensualidad mediterránea y la simplicidad del dibujo y del paisaje propios del diseñador.

ARTE, DISEÑO Y OFICIO: Por otro lado, la exposición también pretende explorar los límites del oficio utilizando la sintaxis de su propia obra. El objetivo de la exposición es que el visitante de 'Drawing life' pueda percibir a través de esta experiencia el impulso vital que genera la creatividad de Javier Mariscal.

El propio diseño de la exposición refleja la facilidad con que se cruzan las fronteras entre el arte y el diseño, de cómo la faceta artística alimenta las soluciones de diseño, sin que sea entendido como un arte, sino como un oficio. Asimismo, la exposición aporta claves sobre los procesos creativos, en los que todo empieza por un dibujo y donde nada se da como definitivo.

MADRID, 23 (EUROPA PRESS)

La artista Patricia Esquivias (Venezuela, 1979) denuncia en el Museo Reina Sofía a través de una proyección titulada, 'Todo lo que no es ración, es agio' de su serie 'Folklore 4', la búsqueda excesiva de "espectacularidad" en los museos españoles, mientras se olvida el apoyo a la producción artística. Este trabajo se encuadrada dentro de 'Fisuras' (programa de producciones propias del Museo, donde se invita a los artistas a experimentar en los espacios del Centro de Arte).

"Que de repente en España haya tantos museos nuevos y que sean tan modernos y que hayan sido realizados por los arquitectos más modernos, no me parece que tenga mucho sentido, porque si no apoyas a la gente que produzca trabajo para que llene esos museos sigue quedando descompensado", aseguró a Europa Press, esta artista que explora la historia e idiosincrasia española apoyándose en acontecimientos cotidianos.

El vídeo 'Todo lo que no es ración, es agio', proyectado en una zona de transición entre el edificio Sabatini y la zona de la ampliación realizada por Jean Nouvel, se basa en una toma fija del museo Reina Sofía, grabada desde las inmediaciones en la que se aprecia el contraste entre la arquitectura diocechesca de Sabatini y el edificio contemporáneo del arquitecto francés, que la artista compara con el Pabellón creado para la Exposición Universal de París de 1937.

Este contraste entre la arquitectura del edificio de Sabatini y el contemporáneo de Nouvel, sirven como telón de fondo para que Esquivias reflexione sobre relación de España con la modernidad.

En este sentido, Esquivias comentó que, al principio de los años 30 en España, existía una relación "armoniosa e ideal" entre el folclore y la vanguardia que acabó truncada por la llegada de la dictadura.

QUERER SER "MODERNOS Y VANGUARDISTAS" : Cuarenta años después, según Patricia Esquivias, los españoles hemos intentado ser "modernos y vanguardistas", pero ésta es una tarea compleja, "si llevas 40 años sin la práctica", advirtió.

No obstante, para Esquivias ahora estamos "recuperando el tiempo perdido", aunque reconoció que es "fácil cometer ciertos errores y pensar que se puede copiar otros modelos cuando hay que encontrar el propio".

Patricia Esquivias trabaja en video desde el año 2005 y ha expuesto sus trabajos en Madrid (Museo Nacional Reina Sofía, Galería Maisterravalbuena), Alemania (Frankfurter Kunstverein, 5th Berlin Biennale) Nueva York (White Columns, Murray Guy) Italia (Arcos Museum, Artissima) y en Inglaterra (East International, Royal College of Art). También ha participado en proyectos colectivos en la Bienal de Berlín o en el Franfurter Kunstverein de Frankfurt.

MADRID, 24 (EUROPA PRESS)

La muestra '¿Olvidar a Rodin? Escultura en París 1905-1914' llega a Madrid después de pasar por Francia, proponiendo un análisis del nacimiento de la escultura moderna, con base en la influencia de Auguste Rodin. La exposición, que aúna grandes piezas escultóricas del siglo XX, entre ellas el original en yeso de 'El pensador', se podrá visitar hasta el 13 de septiembre en la sala de exposiciones de la Fundación Mapfre.

Se trata de una novedosa lectura del inicio de la escultura moderna durante los primeros años del pasado siglo, a través de obras de artistas como Aristide Maillol, Bernard, Émile-Antoine Bourdelle, Costantin Brancusi, Jacob Epstein, Raymond Duchamp-Villon, Ossip Zadkine, Julio González, Pablo Picasso, Wilhelm Lehmbruck, Alexandre Archipenko y el propio Rodin. La exposición analiza la obra de los artistas que pertenecen a la generación inmediatamente posterior a Rodin y que construirán el nuevo lenguaje de la modernidad tomando como punto de referencia (para olvidarlo o insistir en él) el modelo del gran escultor francés.

'¿Olvidar a Rodin? Escultura en París 1905-1914' es una coproducción entre la Fundación Mapfre y el Museé d' Orsay, con la colaboración de la Stiftung Wilhelm Lehmbruck Museum - Zentrum Internationaler Skulptur, de Duisburgo. La muestra se presentó entre marzo y mayo de este año en el Museé d' Orsay, recibiendo más de 170.000 visitantes.

ARTISTAS CASI NUNCA VISTOS JUSTOS: Entre las obras más emblemáticas, se puede destacar 'Mediterránea', de Maillol, cuya influencia en la concepción del mediterraneismo catalanista resulta fundamental, y que por primera vez sale del Musée d'Orsay. Dada a conocer en 1905, 'Mediterránea' impactó a todos, y de ahí nació la idea de empezar el corte histórico de la muestra por ese año, según explicó la comisaria Catherine Chevillot.

También se debe subrayar la presencia del original en yeso de 'El pensador' y 'Balzac, Estudio de atleta', ambos de Rodin; 'Inclinado', de Archipenko; 'Madre e hijo', de Epstein, y 'El hombre sentado', de Lehmbruck. "Son artistas que desarrollaron una línea común y sin embargo raramente se han visto juntos en una exposición", matizó Chevillot. Asimismo, la muestra pone en valor y contextualiza la obra de grandes escultores españoles como Manolo Hergué, Gargallo, Casanovas o Clarà que, junto a González y Picasso, están establecidos en París en estos momentos. "Es una visión completamente distinta de los escultores españoles, enseñando cómo se inscribieron de forma natural en lo que sucedía en el resto de Europa", puntualizó Pablo Jiménez Burillo, director general del Instituto de Cultura de Fundación Mapfre.

Además del Musée d'Orsay, las esculturas proceden de grandes museos y colecciones, como el Museé Rodin, el Centre Georges Pompidou, el Hirshhorn Museum and Sculpture Garden (Washington), la Colección Archipenko de Bearsville (Nueva York), los Museos Reales de Bélgica, la Kunshaus de Zürich, la Kunshalle y la Kunstsammlungen de Bremen o el Museo Ludwig de Colonia. Textos en braille y guías para sordos se pondrán a disposición en la muestra española.

PARÍS, "CRISOL" DE LA ESCULTURA

En torno al año de 1900, se reúne en París un numeroso grupo de jóvenes escultores procedentes de toda Europa que, atraídos por el carisma de Rodin, comparten una serie de preocupaciones formales, abriendo la puerta de la escultura moderna. "Era un lugar ineludible para la escultura, como un crisol", subrayó la comisaria.

Son nombres como Maillol, Bernard, Brancusi, Zadkine, Julio González, Picasso, Lehmbruck o Archipenko, que coinciden en su necesidad de elaborar una nueva escultura, más sincera y más acorde con los nuevos valores formales que ya se imponían en la pintura. "Los pintores reaccionaron contra el Impresionismo y los escultores intentaron hacer lo mismo contra la influencia de Rodin", comparó Chevillot. Entre la reacción y la tradición y la puesta en duda de la propia vanguardia, esos artistas despliegan con una clave común, o una "coherencia", como destacó la comisaria.

La obra de Rodin, dominada por un gran dramatismo y teatralidad (pero a la vez una profunda sinceridad), se va apaciguando progresivamente a partir de 1900, con modelados que se tensan y formas cada vez más simples.