MADRID, 30 (EUROPA PRESS)

El británico Laurence Boswell, director asociado a la Royal Shakespeare Company, vuelve a unirse a la joven compañía Rakatá en otro proyecto escénico relacionado con Lope de Vega. Tras 'El perro del hortelano' ahora le llega el turno a 'Fuenteovejuna', una producción multitudinaria que reúne a un total de 35 actores y que se estrenará en los Teatros del Canal el próximo 7 de mayo.

El montaje, que ha aunado el esfuerzo de numerosas instituciones públicas y privadas como la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales (SECC) o el British Council entre otras, saca a la luz el mejor Lope, un autor siempre vivo y "al que hay que llamar clásico, pero que hace teatro moderno y contemporáneo", dijo hoy Albert Boadella, director de los Teatros del Canal.

Boswell, considerado especialista en el Siglo de Oro español ya que desde muy joven lleva trabajando este tipo de textos, primero en el Reino Unido y ahora en España, señaló que su preocupación ha sido en todo momento cómo dirigir "un verso complejo" en un idioma que no habla y saber cómo responderán los actores.

"Me di cuenta de que los dramaturgos ingleses y españoles emplean los mismos trucos y recursos y que son muchas más las cosas que les unen que las que les separan. Además comprobé que tampoco hay diferencias entre los actores españoles e ingleses", dijo. "Esta fusión especial ha sido muy refrescante para mí y me ha hecho sentirme útil", agregó.

UNA GRAN FAMILIA

Boswell se refirió también a esa "gran familia" que Rakatá ha reunido para la ocasión, "una enorme compañía que representa varias generaciones de actores", dijo señalando la presencia de Alberto Jiménez y Lidia Otón y del veterano Gerardo Malla.

Asimismo, el director de escena, que confesó que siempre encuentra nuevas maneras de dirigir a los clásicos españoles, indicó que su principal ambición en 'Fuenteovejuna' gravitó alrededor de "cómo contar la historia, encontrarle un sentido en la actualidad y cómo comunicar a través del verso la complejidad de Lope de Vega".

La conexión de este obra con el siglo XXI es muy clara para Boswell: "Lope de Vega explora una dinámica, no está escribiendo un panfleto. Mira los conflictos en las relaciones que todos tenemos y elige dilemas humanos sencillos y profundos que le dan pie para construir grandes personajes. En el caso de 'Fuenteovejuna' el conflicto está en los individuos. ¿Qué me debo a mi mismo y qué debo a la comunidad?", explicó.

Trasladado al mundo actual, esta reflexión lleva al británico a señalar que si se apoya "el egoísmo" frente a la solidaridad o puesta en común de las soluciones, las cosas irán mal. "El G-20 se ha reunido en Inglaterra no sólo para hacerse la foto. Nuestro sistema financiero ha caído y estamos destruyendo la naturaleza. El mundo debe entender que ha de trabajar en comunidad. Si no nos damos cuenta de ello habrá más problemas", aseveró recordando que Lope trabaja precisamente con esta idea: "las acciones individuales y colectivas".

SENTIDO DE LA ESPECTACULARIDAD

Para el actor Alberto Jiménez, que encarna en papel de Fernán Gómez, el comendador, este montaje destaca por el "sentido de la espectacularidad" de la puesta en escena. "Creo que aquí Lope de Vega se descubre como el Steven Spielberg del Siglo de Oro" dijo elogiando la dirección de Boswell que ha puesto su experiencia "al servicio de lo que Lope quiere contar".

Jiménez, que resaltó en estos momentos la importancia de montajes tan numerosos como éste que "dan empleo a mucha gente", aludió a una peculiaridad de Laurence Boswell que no ha visto en otros directores: "Es el único que trabaja con los ojos cerrados. Creo que con ello consigue que el actor esté más cerca de la historia y pueda vivir esa ensoñación", apuntó.

A este respecto, el propio Boswell explicó que se trata más bien de "un acto instintivo" que le permite concentrarse en aquello que quiere expresar. La actriz Lidia Otón, que interpreta a Laurencia, resaltó la "vigencia de Lope de Vega expuesta en sus pasiones y emociones que no pasan de moda" y que ha nutrido a todos desde el punto de vista personal y artístico.

MÉRIDA, 26 (EUROPA PRESS) Un concierto de la Orquesta de Extremadura, junto con la Orquesta Joven de Extremadura, y el espectáculo de fuego y máscaras 'El rapto de Proserpina', van a "quemar" el Teatro Romano de Mérida este sábado a partir de las 23.00 horas, en la gala de inauguración del 55º Festival de Mérida. El director artístico del Festival de Mérida, Francisco Suárez, afirmó así que en esta edición van a "quemar" el Teatro Romano para que "de las cenizas resurja un nuevo sentido del teatro". Al respecto, en una rueda de prensa celebrada hoy en la Terraza del Teatro Romano, Suárez se refirió al concepto del "teatro de la fiesta", para que los ciudadanos "entiendan que el teatro está en continuo cambio". Además, indicó que "en estos momentos de crisis" van a intentar que el teatro "salve" a los ciudadanos de esta situación, ya que "la cultura es uno de los elementos que pueden equilibrar y compensar la desazón" que se produce. Por otro lado, uno de los directores del espectáculo que se estrenará mañana en la gala, Manuel Vilanova, destacó que supone "un premio" para un artista poder actuar en el escenario "inmejorable" del Teatro Romano de la capital extremeña para dar una "versión diferente" del teatro. En este sentido, señaló que la obra 'El rapto de Proserpina', la cual está basada en 'Las metamorfosis' y 'Los fastos' de Ovidio, es una "apuesta divertida" de la compañía Xarxa Teatre, es decir, que el trabajo ha sido "fiel" a los orígenes del mito, pero es una "reinterpretación" adaptada a la "estética" de la agrupación teatral. Asimismo, el otro director de este espectáculo, Leandre Escamilla, indicó que se trata de una obra con "corte y estética mediterránea" y "actual", que cuenta con elementos como la música, luces, pirotecnia, color y actores, los cuales componen a su vez la "mayoría" de los espectáculos de la compañía. En cuanto al papel que el fuego juega en esta representación, el director Vilanova resaltó que estará presente con una "función narrativa", ya que Xarxa Teatre utiliza "poco" la palabra porque, como aseguró, intenta transmitir la historia con la imagen. Por su parte, el pintor Joan Ripollés, quien se ha encargado de diseñar la escenografía para este		espectáculo, también estuvo presente en la rueda de prensa y destacó que el trabajo de crear las máscaras, elemento que protagoniza la obra, ha sido "tan fácil" porque son las imágenes que vive "diariamente dentro" de su "mundo". Por ello, indicó que "se va a ver un juego de personajes" como los que hacen los niños, ya que se ha guiado por "el sentir" de la creación, en lugar de basarse en el intelecto. "CASI 100 MÚSICOS" Por otro lado, el director de la Orquesta de Extremadura, Jesús Amigo, destacó que el concierto conjunto con la Orquesta Joven de Extremadura, que ofrecerán ambas agrupaciones en la gala de inauguración, será la "primera vez" que se unen en un recital, el cual contará con "casi cien músicos" en el escenario. En concreto, interpretarán la 'Sinfonía nº 1 en Re M Titan' de Gustav Mahler, la cual, según dijo Amigo, habla de la naturaleza y es "muy indicada" para este evento por su "grandiosidad". IDENTIDAD GRECOLATINA Por su parte, el director general de Promoción Cultural, Javier Alonso de la Torre, destacó que el Festival de Mérida "significa una historia larga" y "fructífera" que da "identidad grecolatina a Extremadura y que "sitúa" a la región "en el mundo". De la Torre mostró un "convencimiento pleno" en el trabajo de Francisco Suárez, quien, según dijo, demostró en la pasada edición que "se puede confiar en su planteamiento" para el "mantenimiento del espíritu del festival", el cual este año se verá a través de "un menú --en referencia a las obras teatrales-- exquisito". También intervino en la rueda de prensa el delegado de Cultura del Ayuntamiento de Mérida, Julio César Fuster, quien apuntó que el consistorio pondrá a disposición del Festival "todos" los recursos posibles, tanto humanos como materiales, para su desarrollo. El Festival se desarrollará hasta el 30 de agosto con diversos espectáculos de "alta calidad". Finalmente, animó a los ciudadanos extremeños a votar por el Festival de Teatro Clásico de Mérida como uno de los diez candidatos a Bien Inmaterial propuestos por la Unesco, cuyo plazo para hacerlo terminará el 28 de junio.

MADRID, 16 (EUROPA PRESS) Jean-Christophe Maillot, coreógrafo de Les Ballets de Monte-Carlo, lleva a la Sala A de los Teatros del Canal un personal y particular viaje por el universo de 'Fausto', de Goethe, un espectáculo que se estrenará el 17 de Abril , por primera vez en España, en el marco del XXIV Festival Internacional Madrid en Danza. El director de los Teatros del Canal, Albert Boadella, ha confeasdo su admiración por el trabajo de Maillot, a quien definió como "uno de los más importantes coreógrafos de la historia de la danza" y que, a su entender, ofrece una "potencia emocional" extraordinaria en espectáculos de la talla de 'Romeo y Julieta'. "Lo que consigue en un escenario colma sobradamente las expectativas", ha asegurado. Para Ana Cabo, directora del Festival, Maillot y Les Ballets de Monte-Carlo "revisitan la tradición de los ballets argumentales pero con cercanía y profundidad". Por su parte, el coreógrafo francés ha explicado que la génesis de este ballet que se remonta al encargo que recibió hace dos años para realizar la escenografía de su primera ópera, el 'Fausto' de Charles Gounod. "Me angustiaba pensar en el resultado final porque trabajar con cantantes de ópera es complicado cuando estás acostumbrado a hacerlo con bailarines, siempre generosos y apasionados". Las cosas salieron "bien" pero esa desazón inicial le llevó a proponerse hacer un ballet con el 'Fausto' de Goethe, "una historia extraordinaria, un texto profundo que es preciso abordar con humildad". A pesar de tener un compositor para la música de este proyecto, a sólo cuatro meses del estreno el elegido "cayó en depresión y decidió no seguir adelante", ha explicado Maillot. "Recordé entonces una partitura homónima de Franz Liszt que me pareció muy apropiada", ha añadido. En su coreografía, Maillot pone sobre el escenario la historia de una misteriosa relación contada con un lenguaje renovado. Desentraña aquello que se esconde tras la música, hace entrar en escena a los 45 bailarines de su compañía y muestra la relación triangular entre tres personajes simbólicos: Margarita, el ideal femenino, belleza de cuerpo y espíritu; Mefisto, el mal absoluto, y Fausto, el ser		humano dotado de un saber extraordinario pero atenazado por la muerte como límite de su existencia en la tierra. A ellos, Maillot ha añadido la Muerte, "que tiene una dimensión permanente en los textos de Goethe". El coreógrafo ha dicho también haber evitado "el lado tétrico" de esta historia y, por el contrario, ha potenciado la parte "luminosa y de esperanza que hay en la obra". Además, el francés ha destacado la presencia en la compañía de siete bailarines españoles y ha dicho sentirse "impresionado" por la calidad del ballet en España. Precisamente el protagonista de este espectáculo es Asier Uriagereka, que encarna el papel de Fausto. La historia de Les Ballets de Monte-Carlo se remonta al año 1911, fecha en la que Diaghilev fijó la residencia de su compañía en el Principado de Mónaco. Durante 20 años, el empresario ruso y sus colaboradores, algunos de los más importantes artistas del siglo XX, fijaron el rumbo de esta troupe internacional que revolucionó el ballet de su tiempo, pero en 1929, tras la muerte de Diaghilev, la compañía se disolvió. Tres años después, en 1932, una nueva compañía emergió de la fusión de los Ballets de l'Opéra de Monte-Carlo y el Ballet de l'Opéra Russe en París, con Colonel de Basil, como director, y René Blue, como director artístico. Las disputas internas entre Basil y Blum desembocaron en cisma y en la posterior fundación del Ballet de Monte-Carlo (más tarde Ballet Russe de Monte-Carlo), con dirección de Massine. Durante la II Guerra Mundial, la compañía fijó su residencia en Estados Unidos y en los años 50, comenzó una gradual disolución que se volvió imparable hasta llegar a la desaparición en la década de los sesenta. En 1985 Les Ballets de Monte-Carlo fue nombrada compañía oficial de Mónaco por la Princesa de Hanóver, de acuerdo con los deseos de su madre, Grace Kelly, Princesa de Mónaco. En 1993, Jean-Christophe Maillot (1960, Tours, Francia) fue nombrado coreógrafo y director de Les Ballets. Sus señas de identidad son la creación de un repertorio propio, el uso de las nuevas tecnologías y su empeño por contar con la colaboración de artistas de la talla de Lucinda Childs, Karole Armitage, William Forsythe, Jacopo Godani, Nacho Duato y Sidi Larbi Cherkaoui, entre otros.

'Una hora más en Canarias', una aproximación al realismo mágico en forma de musical. MADRID, 22 (EUROPA PRESS).

El director y guionista David Serrano regresa al musical con 'Una hora más en Canarias', una comedia en la que se aproxima al realismo mágico y en la que, a modo de cuento, narra la historia de una mujer que no se conforma y quiere tenerlo todo en la vida, incluido el amor de su marido y de su hijo y el de su amante, a quien se niega a dejar. Quim Gutiérrez es un joven que enamora a tres mujeres, a las que dan vida Angie Cepeda, Juana Acosta y Miren Ibarguren, en este filme que se estrenará en 2010.

En 'Una hora más en Canarias', "todos mienten". Está Cepeda, que encarna a Claudia, una mujer inconformista, impulsiva y un poco loca, que lleva una vida perfecta, hasta que "le pica el bichito del amor" cuando su amante Pablo, un tipo divertido que a su pesar vive rodeado de mujeres locas, decide dejarla y empieza a salir con la dulce Elena (Ibarguren), que oculta un secreto.

Claudia quiere a toda costa volver con su amante, pero también se interpondrá en su camino Mónica (Acosta), su hermana pequeña, más sensata, pero que al enamorarse también perderá la cabeza. Con tres mujeres enamoradas de él, Pablo deberá elegir.

También están las estrafalarias Noelia (Isabel Ordaz) y Daniela (Kiti Manver), madre y tía del joven, ex hippies, que viven en Tenerife, donde se desarrolla la trama. Completa el reparto el actor argentino Eduardo Blanco, que encarna a un 'gigolo' e improvisado padre de Pablo.

ALTA COMEDIA: En su tercer largometraje como director (tras 'Días de fútbol' y 'Días de cine'), Serrano vuelve a acercarse al musical, como ya hiciera como guionista en 'El otro lado de la cama' y 'Los dos lados de la cama'. Una vez finalizado el rodaje en Tenerife (y ultimando el trabajo en Madrid), el director explicó hoy que la cinta habla de "las locuras" que pueden llegar a hacerse por amor.

"Los musicales me parecen divertidos y esta vez he hecho números más largos y más arriesgados", explicó Serrano, que ha contratado los servicios del coreógrafo de Broadway Richard Siegal.

En este "cuento" con "un toque un poco más surrealista" que en anteriores ocasiones, Serrano se adentra en la "alta comedia" al estilo de las producciones de Hollywood, pero actualiza el género y son las mujeres las que "engañan y seducen para salirse con la suya" y el hombre es "ese oscuro objeto del deseo".

Es una película "más sofisticada" en el vestuario o los decorados, y con claras referencias a 'Todos dicen I love you' o 'Las señoritas de Rochefort'. "Estaría orgulloso con que la gente vaya al cine a pasar un buen rato y a divertirse con la película", explicó Serrano, que ha utilizado para la banda sonora canciones inéditas del grupo No Replay, así como otras canciones populares como 'Estando contigo', interpretada por Marisol.

Sobre su experiencia como director, confesó haberse sentido "más relajado" que en anteriores trabajos. "Mi primera película fue un horror, ahora ya tengo las cosas más claras", confesó el realizador que disfruta dando libertad a los actores.

MADRID, 4 (EUROPA PRESS)

El director de escena y responsable del Teatro Arriaga de Bilbao, Emilio Sagi, estrena el próximo jueves en el Teatro Español de Madrid su particular visión de la zarzuela 'Katiuska' de Pablo Sorozábal, un montaje en el que ha querido poner de relieve "el glamour en medio de un mundo en ruinas" en la España de los años 30.

Así lo ha explicado en la presentación de esta producción conjunta entre el Teatro Arriaga, el Teatro Calderón de Valladolid, el Campoamor de Oviedo y el Español de Madrid, lo que, a su juicio, le aporta "una calidad importante" a este espectáculo.

Sagi, siempre deseoso de trabajar con obras del maestro Sorozábal (amigo de su familia y con quien debutó en el género de la zarzuela) señala que 'Katiuska' siempre se ha criticado como "obra vulgar" lo que, a su entender, no tiene ninguna razón de ser porque ofrece "una gran calidad musical".

El director de escena ha sometido el libreto, escrito por Emilio González del Castillo y Manuel Martí Alonso, a un "pequeño lifting" que en ningún caso desvirtúa la idea original del compositor y que se ha limitado a eliminar algún personaje "que hoy resultaría ridículo". El resultado es "una obra más compacta".

Absolutamente seguro de que a estas alturas "en teatro hay que emocionar y no dar lecciones", su intención con esta partitura ha sido "hacer una crónica de esos años grises en los que las grandes estrellas del cine eran el glamour del momento" explica.

Así, "Katiuska es una Gloria Swanson en medio de un mundo en ruinas", añade el director de escena, que espera que el público "reviva la nostalgia de esos años" a lo largo de las representaciones que ofrecerá el Español hasta el 10 de mayo. La escenografía, diseñada por Daniel Bianco, resulta ser para los artistas "un decorado difícil puesto que han de caminar por ruinas y por una rampa". "Quería que fuera un espacio como una caja posada de mala manera sobre el mundo que se iba a destruir en la España de los años 30, un espacio puro dentro de ese mundo que se estaba deshaciendo", insiste Emilio Sagi.

A esta producción que ahora recala en Madrid se han sumando la Orquesta Filarmonía y el Coro Eurolírica, dirigidos por Pascual Osa, quien incide en el hecho de que 'Katiuska' haya sido criticada como una partitura "banal". Por el contrario, el maestro asegura que posee "páginas impresionantes, temas deliciosos que pueden estar sin complejos a la altura de cualquier título de ópera".